In der Serie Leidenschaft für Kunst von Koos de Wilt
'Die große Kette des Seins'
Paul Schnabel, Leiter des Amtes für Sozial- und Kulturplanung

​Meine Eltern interessierten sich nicht sehr für Kunst. Mein Vater war Techniker und meine Mutter kam aus Indien, und in dieser Welt waren Natur und Sport viel wichtiger. Schon als Kind interessierte ich mich sehr für Kunst. Ich war da immer eine kleine Ausnahme, ging alleine in Museen und auf Aufführungen [2003].

Ich erinnere mich, dass ich kurz vor Ostern beim Abendessen zu Hause die Matthäus-Passion hören wollte, was in einem Streit endete. Ich bin übrigens nicht musikalisch veranlagt oder künstlerisch begabt. Meine Eltern fanden das völlig unwichtig. Ich bin eigentlich eher kognitiv orientiert. Als ich lesen konnte, habe ich eigentlich nie etwas anderes gemacht. Beim Lesen entdeckte ich, dass es in Brabant, wo ich aufgewachsen bin, ganz andere Welten gab, als ich sie kannte. Wenn ich in der Zeitung von Theater, Musik und Ausstellungen in der Großstadt las, wollte ich das auch genießen können. Ich hatte einen Onkel, der ein Amateurkünstler war. Er hatte 1958 selbst ein Spinett gebaut und besaß Schallplatten aus der Archiv-Sammlung der Deutschen Grammophon sowie vom Sitar-Virtuosen Ravi Shankar. Niemand hatte so etwas damals, es gab nur einen Laden in Den Haag, wo man diese Art von Musik kaufen konnte.

Karavaggisten

Wir sind mit einem Interesse für Maler wie Rembrandt im 19. Jahrhundert aufgewachsen. Aber ich bezweifle, ob die Leute diese Kunst noch wirklich mögen. Ich finde sein Frühwerk lustig, aber nicht wirklich schön. Sein Spätwerk ist für meinen Geschmack zu dunkel und impressionistisch; zu schwer und zu düster. Wenn ich es hätte, würde ich es sofort versteigern. Die starken Kontraste, in denen Rembrandt gearbeitet hat, gefallen mir, aber ich bevorzuge die Utrechter Caravaggisten wie Gerard van Honthorst und Hendrick ter Brugghen. Sie malten mit viel Farbe und mit einem starken dramatischen Kontrast.

Leider haben diese Namen für die meisten Menschen nur als Straßennamen Bedeutung, aber zu ihrer Zeit waren sie Maler von internationalem Ruf. Bei den Caravaggisten ist der Hintergrund meist dunkel und man sieht, dass die Figuren farbig hervortreten. Wir erkennen dies in unserer aktuellen Bildsprache, auch dank der Beleuchtungsmöglichkeiten, die Strahler bieten. Vor 400 Jahren gab es sie noch nicht, aber genau diese Wirkung wurde auf malerische Weise erzielt. Mit unserem modernen Geschmackssinn orientieren wir uns zunehmend an klaren Linien und einheitlichen Farben in überraschenden Kombinationen. Dass  erklärt die enorme Popularität von Vermeer. Klar, leicht und kraftvoll zugleich.

Ich bewundere Menschen, die sehr traditionell arbeiten

Ich persönlich liebe die klaren klassizistischen Gemälde von beispielsweise Caesar van Everdingen, einem völlig vergessenen Maler, der beispielsweise auch den Oranjezaal in Huis ten Bosch gemalt hat. Bei Van Everdingen sieht man viel Bewegung in beeindruckenden Leistungen, aber die Bewegung hat sich sozusagen verfestigt. Seine Farbpalette ist sehr cool und das Design sehr elegant. Das verleiht seinen Bildern eine sehr merkwürdige Dynamik. Seine Arbeit ist nicht immer monumental, manchmal sehr intim. Im Rijksmuseum gibt es ein Gemälde eines Mädchens, das seine Hände über einem Feuertopf wärmt, eine Darstellung des Winters. Sie ist sehr zurückhaltend gemalt, aber gerade durch das Feuer und ihre leicht kühle Haltung ist eine wunderbare Spannung zwischen Hitze und Kälte entstanden.

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Es gibt noch mehr Maler aus dieser Zeit, die ich schön finde. Es ist auch eine Freude, die Arbeit weniger bekannter Haarlemer wie Jan de Braij, von Utrechtern wie Abraham Bloemaert oder Jan van Bijlert oder die Amsterdamer Grachten oder den Dam-Platz in wunderschönen Lichtschattierungen von Gerrit Berckheyde zu betrachten , oder im Kircheninneren von Pieter Janszoon Saenredam. Ihre Arbeit ist auch dem modernen Geschmackssinn sehr nahe, aber die meisten Menschen sind damit nicht vertraut.

Museumskunst

Ich bewundere Menschen, die sehr traditionell arbeiten. Ich finde, was der figurative Maler Henk Helmantel macht, ist außergewöhnlich clever. Ich finde auch die Arbeit von Matthijs Röling fantastisch. Es ist mir egal, ob die offizielle Presse denkt, dass dies nicht möglich ist. Ich finde es einfach sehr schön. Ich finde viele offizielle moderne Kunst dekorativ oder einfach nur hässlich und unangenehm. Francis Bacon zum Beispiel beeindruckt mich, aber ich kann mir nicht vorstellen, damit in einem Interieur zu leben. Das ist zu viel, zu aufdringlich und zu dramatisch. Es ist auch sehr schön, aber es ist reine Museumskunst.

Manchmal scheinen wir uns in einem Wettbewerb zwischen einem bestimmten Künstlertyp und einem bestimmten Museumstyp zu befinden. Das Rennen ist, wer noch größere Werke schaffen kann, was die Museen dazu zwingt, noch größere Gebäude zu finden. Ich habe ehrlich gesagt etwas die Schnauze voll von so einer Stahlplatte in einer Halle. Vor etwa zwanzig Jahren sah ich auf der Ausstellung „Westkunst“ in Köln einen Haufen Tannennadeln von Joseph Beuys zusammengekehrt. Ich stand da und dachte: ‚Ich bin doch nicht verrückt! Ich werde nicht schauen, was ich in meinem eigenen Garten zu Hause zusammenfegen kann, oder?' Diese Kunst bringt mir nichts, außer dass sie mich irritiert.

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Das habe ich wieder bei der Tate Modern: ein gigantisches Gebäude, in dem ich mich wie in einem Einkaufszentrum fühle. Alle gehen hindurch, keiner bleibt stehen. Dort ist es interessanter, die Menschen zu betrachten als die Kunstwerke. Was Sie dort sehen, ist „Kunstkunst“ für eine sehr kleine Elite, die sich selbst etwas vorgemacht hat.

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Ich habe übrigens nicht viel mit der Malerei des 19. Jahrhunderts zu tun. Es ist sehr ähnlich. Vieles ist zudem undenkbar geworden, verdunkelt, mit düsterem, schwerem Aussehen, begrenztem Vorstellungsreichtum und immer wieder auftauchenden Themen. Mesdags beste Arbeit hat einen echten Reiz, aber ein guter Maler wie Isaac Israëls hat auch eine enorme Menge an Prêt-à-Porter für den Markt hergestellt.

Ich finde eine Menge abstrakter Malerei sehr veraltet. Wenn ich im Stedelijk oder im Haags Gemeentemuseum spazieren gehe, überkommt mich oft ein unangenehmes Fünfziger- und Sechzigerjahre-Gefühl. Obwohl viel abstrakte Kunst einen dekorativen Wert hat, der durch die großen Farbflächen in großen Gebäuden gut zum Ausdruck kommt, ist es oft nicht viel mehr. Van Doesburg war ein störrisches Stück Scheiße und ein zweitklassiger Künstler mit einem unglaublichen Anspruch. Mondrian hat auf dem Papier hauptsächlich esoterischen Unsinn gepredigt, aber er bleibt in seiner Arbeit kraftvoll. Dann kann man nicht Van Doesburg sagen, denke ich.

wilde Erdbeeren

Für mich sind die Ästhetik und die Geschichte der Kunst eng miteinander verbunden. Wenn man die Geschichte kennt, kann man auch die Ästhetik besser sehen, die man mehr erlebt. Dann sehen Sie mehr als nur Zahlen und Bilder. Blickt man beispielsweise in die Vergangenheit, sieht man die Innovation oft nicht mehr. Erst wenn man mehr darüber weiß und dann zurückblickt, sieht man, wie schlau die Menschen damals waren, eine Lösung für ein Problem zu finden. Das vergessen wir oft.

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Mein Lieblingsbild handelt übrigens nicht von einer solchen Geschichte. Es ist ein kleines Gemälde im Mauritshuis, ein Stillleben von Adriaan Coorte, einem Middelburger Maler aus dem späten 17. Jahrhundert, dem das Centraal Museum 2003 eine kleine Ausstellung widmete. Das einzige, was Sie in dieser Arbeit sehen, ist ein Steintablett mit Walderdbeeren. Diese sehr zarten Früchte. Das treibt mir wirklich die Tränen in die Augen, es ist so berührend schön. In dieser Arbeit spürt man die Sorgfalt, die Liebe, das Handwerk und die Wertschätzung für nebensächliche Dinge. Offenbar galt dies im 17. Jahrhundert als bewegend, sonst wäre die Leinwand nicht so sorgfältig aufbewahrt und vielleicht gar nicht hergestellt worden. Diese kleine Arbeit wurde von Generation zu Generation weitergegeben.

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In der Kunstgeschichte wird manchmal suggeriert, dass wir heute ganz anders aussehen als früher. Wenn Sie nicht mehr wissen, was Götter sind und was die Bibel sagt, dann ist das teilweise wahr. Aber es gibt auch Elemente, die unsere fernen Vorfahren genauso erlebt haben wie wir jetzt. Wenn Jan Steen im Frühjahr eine Picknickgruppe vor einem Gasthaus außerhalb der Stadt malt, sieht man eine Kontinuität. Die Leute fahren immer noch mit dem Auto raus und genießen es einfach, draußen zu sein. Auch der Stolz, der manchmal von Landschaftsbildern ausstrahlt, ist verständlich. Der Sint Bavo von Haarlem wurde hunderte Male gemalt.

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Es geht nicht nur darum, etwas Schönes zu finden, das man schön finden lernen muss, sondern auch um die Liebe zu etwas Authentischem, das jeder als schön erleben und erkennen kann. Man hat dann das Gefühl, in einer großen Kette des Seins zu sein. Es ist eine Kontinuität der Erfahrung, bei der Sie an dem gleichen Gefühl teilhaben, das die Menschen seit Hunderten von Jahren haben. Natürlich haben wir verschiedene Dinge gesehen und gelernt, aber unsere Gefühle und Emotionen haben sich nicht geändert. Unsere Augen haben sich auch nicht verändert, wir haben einfach andere Dinge gesehen, aber die Wertschätzung für etwas Schönes hat sich nicht verändert. Diese Anerkennung gibt ein schönes Gefühl. Das Leben vor ein paar Jahrhunderten ist dem unseren sehr ähnlich, und das vermittelt ein Gefühl von Verwurzelung, von Gemeinsamkeiten und sogar von einer Art Solidarität.

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