Interview: Chosen de Wilt für Leidenschaft für die Kunst

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Ich komme nicht aus einer Musiker- oder Künstlerfamilie, sondern habe mit dem Klavierunterricht begonnen, weil es Teil meiner Erziehung war. Das war, als ich fünf Jahre alt war, und seitdem beziehen sich alle meine primären, sekundären und tertiären Bedürfnisse im Leben auf Musik. Daran habe ich nie gezweifelt, es war einfach so. Ich finde auch Leute, die keine Musik um sich herum haben, schäbig. Ich hatte schon als Kind immer Musik um mich herum, meine Eltern hatten Abonnements für Konzertreihen, konnten es aber selten, weil sie beide ein reges Leben als Psychiater hatten. Als Junge bin ich zum Beispiel etwa dreimal die Woche ins Concertgebouw gekommen, um ihren Platz einzunehmen.

„Ich finde auch Leute arm, die keine Musik um sich herum haben.“

Ich habe keine Erinnerungen an vor dem Klavier. Als ich anfing zu spielen, fing ich sofort an zu komponieren und über Musik zu schreiben. Ich habe nichts darin geplant und ich habe nie Pläne gemacht. Ich hatte nur ein Ziel, und das war nicht, Klavierlehrer zu werden. Wenn etwas Neues auf mich zukam, kam es oft mit einem Wiedererkennungsschock nach dem Motto: ‚Natürlich macht es Sinn, dass es so gehen musste!' Dann höre oder lese ich etwas, das ich unbedingt aufführen möchte. Das hatte ich zum Beispiel bei der Musik des Kanadiers Claude Vivier , einem Komponisten, der im Alter von 35 Jahren ermordet wurde und nur ein kleines, aber atemberaubendes Werk hinterließ. Ein ganz einzigartiger Künstler, ein Einzelgänger.

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Als Junge hatte ich eine sehr romantische Einstellung zur Musik. Ich habe sogar ein Buch über Komponisten und ihr trauriges Schicksal geschrieben. Der Komponist, der dieses Gefühl vollständig repräsentierte, war Chopin, der romantische, virtuose Künstler, der an Tuberkulose litt und schließlich daran starb. Er war der Komponist, der unter den Tönen seines eigenen Trauermarsches begraben wurde, schrieb ich in meinem Buch. Ich habe auch meine eigenen Trauermärsche komponiert und dachte, ich wäre mindestens so gut wie er. Aber ich merkte schnell, wie komplex seine Sprache war und dass ich sie lange nicht sprechen konnte.

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Romantik

Das 19. Jahrhundert, das Jahrhundert der Musik und Romantik, fasziniert mich. Das 17. Jahrhundert war das Jahrhundert der Malerei und das 18. Jahrhundert das der Aufklärung und der Dichter und Philosophen. Musik hat weniger mit rationalem Aufklärungsdenken zu tun, sondern viel mehr mit Romantik. Musik passt zum düsteren Bild dieses Jahrhunderts. Politisch war die Romantik eine weniger angenehme Zeit, aber musikalisch von unglaublichem Reichtum. Damals drehte sich alles um die großen Lieben, das Mythische und die großen Gefühle. Noch nie hat es so geniale und explosive Kompositionen gegeben wie im 19. Jahrhundert: Schumann, Schubert, Chopin, Liszt, Wagner, Brahms, Bruckner. Genies folgten aufeinander.

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„Ich habe auch meine eigenen Trauermärsche komponiert und dachte, ich wäre mindestens so gut wie Chopin. Aber ich habe schnell gemerkt, wie komplex seine Sprache ist und dass ich sie lange nicht sprechen konnte.“

Ich bin besessen von jener Sprache der Romantik, die sich immer weiter ausdehnte und deren Grundton sich schließlich – im Vorspiel des Tristans – nicht mehr auflöste. Der Wunsch war da, aber die Lösung kam nicht mehr. Das Fundament, das Gefühl der Harmonie, wurde ausgesaugt und verschwand schließlich. Brahms schrieb 1860 in einem offenen Brief, dass die klassische Musik schief laufe. Wagner und Liszt waren gefährlich und mussten gestoppt werden! Nach Wagner landeten auch sie im Niemandsland und mussten doch weitermachen. Es ging nicht anders. In den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg – zwischen 1904 und 1914 – lief schließlich alles auf Schönberg zusammen. Die Musik landete im Treibsand und die Tonalität verschwand.

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Schönberg

Als Konservatoriumsstudent wollte ich alles über Schönberg wissen. Natürlich ist mir aufgefallen, dass Schönbergs Messlatte sehr hoch lag und dass man viel durchmachen musste, um herauszufinden, wovon er sprach. Das wusste Schönberg auch von sich. Als er für den Ersten Weltkrieg verurteilt wurde, fragte ihn jemand, ob er der berüchtigte Komponist sei, von dem alle sprachen. Er bestätigte dies und fügte hinzu, dass es sich um eine Person handeln müsse. Sonst hatte sich niemand angemeldet. Es war sein Schicksal, seine Tragödie.

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„Ich bin besessen von dieser Sprache der Romantik, die sich ständig ausdehnte und deren Grundton sich schließlich nicht mehr auflöste.“

Schönberg ist ein Riese von unglaublicher Größe, der alle Schlüsselmomente des 20. Jahrhunderts symbolisiert. Ende des 19. Jahrhunderts lebte er in Wien neben anderen Größen wie Wittgenstein, Freud und Kokoschka. Als voll assimilierter, christlich erzogener Jude fügte er sich ganz in die Tradition des 19. Jahrhunderts und in die Welt von Brahms und Wagner ein. Aber diese Welt brach zusammen, sie explodierte, als hätte der Erste Weltkrieg alles zerstört. Alles lag völlig in Trümmern.

Nach dem Krieg landete Schönberg in Berlin. Dort wurde er sich seines Judentums bewusst, alles vor dem Aufstieg Hitlers. Mit der Oper Moses und Aaron hat er ein durch und durch zionistisches Stück geschrieben. Auch seine Musik unterwarf er strengen Gesetzen. Er begann Ordnung zu schaffen und gelangte schließlich zu seinem Zwölftonsystem. Die unglaublich intuitive Musik aus der Vorkriegszeit bekam plötzlich eine zwingende Gesetzmäßigkeit. Das verlief völlig parallel zu seinem Leben. Ich liebe jedes Stück seiner Musik aus der Zeit vor dem Ersten Weltkrieg, aber die Stücke nach dieser Zeit gehen mir manchmal zu weit.

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„Bach geht weit darüber hinaus. Innerhalb der Gemeinde der lutherischen Kirche – an Orten mit begrenzter Anziehungskraft wie Lübeck – begann er Stücke zu schreiben, die mathematisch so unglaublich clever konstruiert waren, man fragt sich, wie das sein konnte. Wie konnte jemand so etwas an diesem Ort und zu dieser Zeit schreiben? Es ist Musik, die außerhalb der Zeit steht: hors concours!'

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Bach

Bach geht weit darüber hinaus. Innerhalb der Gemeinde der lutherischen Kirche – an Orten mit begrenzter Anziehungskraft wie Lübeck – begann er Stücke zu schreiben, die mathematisch so unglaublich clever konstruiert waren, man fragt sich, wie das sein konnte. Wie konnte jemand so etwas an diesem Ort und zu dieser Zeit schreiben? Es ist Musik, die außerhalb der Zeit steht: hors concours! Die Kunst der Fugen und das Wohltemperierte Klavier sind Stücke, die in ihrer Gesamtheit bis ins Detail stimmen: mathematisch, aber auch in der Art, wie sie es einem antun. Bach ist das Höchste, was die Menschheit erreichen kann.

„Die Solosonaten von Bach sind keine Geschmackssache mehr. Dazu kann man viel sagen, aber am Ende sagt man nicht, warum die Musik einen berührt.'

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Am 11. September 2001 würde ich im Concertgebouw mit dem Geiger Frank Peter Zimmermann spielen. Nach Rücksprache haben wir entschieden, dass wir das geplante Programm nicht spielen können. Alles, was Zimmermann einfiel, war die Musik, die ihn durch alle schwierigen Momente seines Lebens getragen hatte: die Solosonaten von Bach . Alle lauschten atemlos Klängen, die weit darüber hinausgingen, dass Musik keine Geschmackssache mehr ist. Dazu kann man viel sagen, aber am Ende sagt man nicht, warum die Musik einen berührt. Man findet es nie heraus, man kommt nie dahin, wo die Gänsehaut entsteht. Ich bin so religiös wie Sie nur sein können, aber mit Musik erreichen Sie manchmal eine Erfahrung, die mit einer religiösen Erfahrung identisch ist. Etwas, das die Realität transzendiert, das Sie verstehen können. Etwas, das über den Rand hinausgeht und das man nicht erreichen kann, außer um es zu erleben. Und das ist die Seele. Die Aufgabe des Dirigenten besteht darin, so weit wie möglich nach dem Wesen der Musik zu suchen.

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Ein Geheimnis

Musik ist wie die Natur: komplex, aber auch verblüffend einfach. Mulisch schreibt in der Komposition der Welt über das Paradoxon der Oktave. Wie ist es möglich, dass das c am Ende der Oktave dem ersten Ton der Oktave entspricht? Wie ist es möglich, dass etwas, das nicht dasselbe ist, immer noch dasselbe ist? Dies widerspricht den Gesetzen der Logik, ist aber dennoch naturgegeben. Dieses Paradoxon ist großartig und ähnelt dem bekannten Paradoxon in der Aussage eines Kreters, dass alle Kreter Lügner sind. Lügt er oder sagt er die Wahrheit?

Kunst spricht über Dinge, die wir nicht benennen können. Darin liegt das Feld des Künstlers; es muss das Mögliche mit dem Unmöglichen in Einklang bringen. Wissen und Nichtwissen müssen zusammengebracht werden. Natürlich sind Bücherregale über die Gründe geschrieben worden, die manche Musik so schön und andere so mittelmäßig machen. Und vor allem müssen wir es immer weiter lösen, aber es bleibt immer ein Rätsel, warum gewisse Melodien Schuberts so fantastisch klingen, wenn sie so verblüffend einfach sind und den Motiven in mittelmäßigen Melodien völlig ähnlich sind. Es macht allen Gänsehaut und doch kann kein Musikphilosoph oder Wissenschaftler etwas Sinnvolles dazu sagen. Sie können mit Ihrem Verhältnis weit kommen und Musik hat viel mit Mathematik zu tun, aber was sie tut, ist etwas ganz anderes.

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Schönberg und Kandinsky

Musik ist von allen Kunstformen die kunstvollste, denn Musik ist nur Kunst. Schopenhauer, Nietzsche, Mulisch haben alle darüber geschrieben. Schließlich ist alles, was Sie berührt, in der Musik selbst, nicht in einem Bild oder in einem Wort, das eine Bedeutung außerhalb von sich selbst hat. Im 20. Jahrhundert entstand dieses Bedürfnis auch in anderen Kunstformen. Joyce suchte nach einer Möglichkeit, Wörter nur auf sich selbst zu beziehen, nach einer Möglichkeit, Sprache autonom zu machen. Er wird auch als der musikalischste aller Schriftsteller bezeichnet. Auch in der Malerei ging die Suche vom Subjekt zum Objekt, zur Fläche selbst, zum Bild als autonomem Ding. Diese Qualität ist der Musik innewohnend.

„Von allen Kunstformen ist die Musik die kunstvollste, denn Musik ist nur Kunst. Schopenhauer, Nietzsche, Mulisch haben alle darüber geschrieben.'

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Ich bin auditiv und merke, dass das, was ich mit Musik erlebe, visuell orientiertere Freunde mit bildender Kunst sehen. Also ich sehe das nicht, obwohl ich die Verbindungen zwischen Musik und bildender Kunst sehe. Im 19. Jahrhundert hat man diese Verbindung zum Beispiel mit Berlioz und Delacroix oder mit Debussy und dem Impressionismus. Musik war jedoch noch enger mit Literatur verbunden. Es war die Zeit der Oper und der Faszination für Dinge, die größer sind als das Leben.

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Im 20. Jahrhundert verstärkte sich die Verbindung zur bildenden Kunst. Strawinsky zum Beispiel hat viel mit Picasso zu tun und Schönberg mit Kandinsky. Die ersten beiden waren weltoffene Künstler, die das ganze Jahrhundert über ihre Kunst aufgenommen, assimiliert und dargestellt haben und nicht davor zurückschreckten, ihre Kollegen ohne zu zögern zu bestehlen. Und wenn alle dachten, sie würden geradeaus fahren, gingen sie nach rechts oder nach oben. Schönberg und Kandinsky hingegen gingen viel unabhängiger auf die Suche nach einer neuen Sprache. Sie haben sich darüber Briefe geschrieben. Bei Kandinsky führte dies zu völlig neuen Formen und Verwendungen von Farben und bei Schönberg zu einer völlig neuen Harmonielehre, die sich an Kandinskys Gedanken darüber anlehnte.

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[2003]