Die Ausstellung Rembrandt. Das Spätwerk stellt uns diesen unruhigen und reifen Rembrandt (1606-1669) erneut vor. Bis Januar war diese Ausstellung in der National Gallery in London und jetzt in unserem eigenen Rijksmuseum zu sehen. Für die Ausstellung wurden 40 seiner besten Gemälde aus aller Welt sowie über 50 Zeichnungen und Druckgrafiken ausgewählt. Amsterdam bekommt sogar vier Meisterwerke mehr zu sehen als London, darunter das Familienporträt aus Braunschweig, das seit sechzig Jahren nicht mehr gereist ist. Die Ausstellung zeigt die Aspekte, die das Spätwerk innovativ machen. In seiner späten Zeit musste der Meister finanzielle und persönliche Rückschläge hinnehmen, was ihn vielleicht dazu veranlasste, innovativ zu bleiben. Während dieser Zeit verlagerte er auch die Aufmerksamkeit von Leidenschaft auf Emotion, von Leidenschaft auf Stille. Intimität, innere Zerrissenheit und Kontemplation prägen diese Arbeit. Diese Wirkung erzielte Rembrandt auch durch technische Innovationen. Professor Doktor. Gregor JM Weber , Leiter der Abteilung Bildende Kunst des Rijksmuseums, und Dr. Jonathan Bikker , Kurator für Forschung, zeigen anhand von drei Meisterwerken, mit welchen Techniken der reifere Rembrandt Kunst geschaffen hat, die den heutigen Betrachter noch immer mit ihrer Tiefe, Ruhe und psychologischen Ausdruckskraft überrascht .
„Der verstorbene Rembrandt fordert Sie heraus“
Drei Gemälde, die zeigen, wie anders der verstorbene Rembrandt ist
Professor Doktor. Gregor JM Weber und Dr. Jonathan Bikker, die Macher der Ausstellung Rembrandt: The Late Works, erklären anhand von drei Gemälden das Wesen des späten Rembrandt.
De Wilt entschied sich für TeamKPN, das interne Magazin des Hauptsponsors der Ausstellung.
FARBE ALS SKULPTUR
Die jüdische Braut „Nachdem er 1642 „Die Nachtwache“ gemalt hatte und nach dem Tod seiner Frau Saskia begann er wieder nachzudenken“, sagt Weber, Leiter der Abteilung für bildende Kunst im Rijksmuseum. „Rembrandt war 36 und malte weniger Porträts und unternahm lange Spaziergänge durch die Stadt Amsterdam.“ Erst in den 1950er Jahren entstand eine neue Schaffensperiode. 1651 malte er das Junge Mädchen am Fenster in groben Pinselstrichen und begann fortan weiter zu experimentieren. Eigentlich in der Zeit, in der es aus der Mode kommt und die Leute anfangen, viel glatter zu malen. Bikker: „Der Kritiker Arnold Houbraken, der auch Maler war, schrieb etwa fünfzig Jahre nach Rembrandts Tod, dass es bei genauem Hinsehen so aussehe, als hätte Rembrandt die Farbe mit einer Maurerkelle aufgetragen. Houbraken war mit Rembrandts letztem Schüler Aert de Gelder befreundet. Dieser Maler war der einzige Schüler, der dem Malen in dicken Farbklecksen wie sein Meister treu blieb. Alle anderen Studenten waren längst zu einer flämischen, eleganteren und glatteren Malweise übergegangen.' Rembrandt wird immer mehr Farbe auf die Zielscheibe schmieren, aber nicht auf das gesamte Gemälde, fand Forschungskurator Jonathan Bikker heraus: „In The Jewish Bride hat Rembrandt den Ärmel sehr dick und Schicht für Schicht aufgetragen, aber am Kragen kann man sehen die Grundierung, die Grundierung, immer noch, also hat er dort nicht gemalt.' Auch der Blickwinkel habe sich geändert, erklärt Bikker: „Mit Rembrandt ist man obendrauf, näher als eigentlich üblich. Man muss die Geschichte dahinter nicht kennen, um zu erkennen, dass es in dem Gemälde um Intimität geht. Die biblische Geschichte von Isaak und Rebekka handelt von einer geheimen Liebesbeziehung, die ein König von seinem Fenster aus beobachtet. Wir übernehmen die Rolle des Spionagekönigs.“
DAS PALETTENMESSER ALS BÜRSTE
Lucretia „Schon in seinen frühen Jahren verwendete Rembrandt die Technik des Kratzens und Modellierens mit Farbe, um Stoffe dreidimensional zu imitieren“, sagt Jonathan Bikker. „Das hat er wahrscheinlich von Jan Lievens gelernt, mit dem er in der frühesten Phase seiner Karriere in Leiden das Atelier teilte. Rembrandt verwendete diese Technik bereits in Die Nachtwache, ein Werk, das er mit halb dreißig schuf. Er begann 1654, als Rembrandt Ende vierzig war, das Spachtel zu verwenden, als er seinen Sohn Titus malte. Von diesem Moment an benutzte er das Spachtel nicht mehr bei allen seinen Arbeiten, aber immer öfter.' Auf großen Teilen von Lucretias Gemälden (1664 und 1666) sehen wir auf den Röntgenbildern, dass er das Gewand mit Kratzern aufgebaut hat. Ursprünglich auch die Hand der Frau. Weber: „Die Hand, die wir jetzt sehen, wurde wahrscheinlich später gemalt. Wir glauben, dass Rembrandt diese Hand ursprünglich sehr grob mit einem Spachtel gemalt hat und dass spätere Restauratoren eine Hand darauf gemalt haben. Das verkaufte sich besser.“ Auch an anderen Stellen sehen wir, dass Rembrandt sich mit dem Spachtel beschäftigt hat. Bikker: „Auf dem Ärmel sieht man ein dunkles Stück Stoff, das in zwei Lagen mit einem Spachtel aufgetragen wurde. Die zweite Schicht, die erst aufgetragen wird, nachdem die erste Schicht getrocknet ist, ist eine braune, durchscheinende braune Lasur. Direkt neben dieser dicken Farbe sieht man Stoff, der glatt mit dem Pinsel aufgetragen wurde. Sehr aufregend.'
Woher Van Gogh seine Inspiration holte
Als Vincent van Gogh bei der Eröffnung des Rijksmuseums 1885 vor der Jüdischen Braut Platz nahm, wollte er nicht gehen. Einem Freund sagte er, er sei bereit, zehn Jahre seines Lebens zu opfern, um zwei Wochen vor dem Gemälde sitzen zu können. In einem Brief an seinen Bruder Theo verwies er auf eine unendlich sympathische und intime Malerei. Bikker: „Vincent reagierte auf den Inhalt, die Intimität der Arbeit und nicht auf die dicken Farbkleckse. Wirklich etwas Besonderes, denn genau diese Verwendung von Farbe würde Van Gogh nach seinem Tod so berühmt machen.“
DIE AKTIVE ROLLE DES ZUSCHAUERS
Selbstbildnis mit zwei Kreisen Das Selbstbildnis mit zwei Kreisen (ca. 1665-69) zeigt deutlich, dass Rembrandt sowohl mit dem Spachtel als auch mit einem Stift in die Farbe kratzte. Möglicherweise hat er die Nadel, mit der er – ebenfalls sehr revolutionär – seine Radierungen anfertigte, verwendet. Bikker: „Ich finde die Falte, die Rembrandt gemacht hat, als er sich an der linken Augenbraue gekratzt hat, sehr besonders. Aus der Nähe betrachtet ist es überhaupt keine Augenbraue mehr. Das sieht man nur aus der Ferne und wir als Zuschauer denken uns das eigentlich aus.“ Die pastöse Verwendung der Farbe und die Verwendung des Spachtels führten dazu, dass Rembrandt zu seiner Zeit nicht immer beliebt war. Kritiker bemängelten, dass es unvollendet sei. Aber in unserer Zeit sieht das Werk außerordentlich modern aus. Die grobe Arbeitsweise sorgte dafür, dass das Werk vom 18. Jahrhundert bis in unsere Zeit immer wieder neue Interpretationen zuließ. Das sei auch Rembrandts Intention gewesen, so Weber: „Rembrandt hat nicht nur bestimmt, wann ein Werk fertig war, sondern er hat auch vieles dem Betrachter überlassen. Bei dem Selbstporträt mit zwei Kreisen fällt, abgesehen von den Kreisen im Hintergrund, auf, dass die Hand mit den Pinseln undeutlich gelassen wurde. Dabei hat er auch dem Betrachter eine Rolle eingeräumt.“ Bikker ergänzt: „Ein ehemaliger Rembrandt-Schüler, der auch Kritiker war, Samuel van Hoogstraten, spricht davon, dass wir Zuschauer die Hand im Kopf selbst fertigstellen dürfen. Auch Rembrandts Zeitgenosse, der französische Künstler und Kritiker Roger de Piles, fand Gefallen daran, dass der Betrachter an der Vollendung des Gemäldes beteiligt war. Das war sicher nicht üblich. Das ist in der Tat eine sehr moderne Tatsache und einzigartig in der Kunstgeschichte.“
Der Mythos vom vergessenen Rembrandt
Noch immer herrscht der Irrglaube, Rembrandt sei am Ende seines Lebens so gut wie vergessen gewesen. Die Wahrheit ist, dass der verstorbene Rembrandt immer noch wichtige Gönner hatte. Gemälde wie „Die jüdische Braut“ und „De Staalmeesters“ hätten niemals ohne einen reichen Kunden gemalt werden können. Er hatte wohlhabende Kunden wie den Chirurgen Dr. Deijman und wohlhabende Kaufleute wie Louis de Geer und die Familie Trip. Auch seine Selbstporträts verkauften sich zu seiner Zeit gut. Im Todesjahr Rembrandts kaufte ein Nachkomme der berühmten Bankiersfamilie de' Medici sogar ein Selbstporträt von ihm für seinen Neffen. Sie waren bei einem früheren Besuch ausverkauft.