WIR LEBEN IN EINEM LAND, IN DEM WIR UNS AN DIE SCHLECHTESTEN WAHLMELDUNGEN DER BILT MIT WORTEN wie „lokaler Nebel“, „Wolkenfelder“, „Gewitter“ und „gelegentliche Lichtungen“ NICHT GEWÖHNEN KÖNNEN . Es könnte Sie auch glücklich machen, wenn Sie Ihre Augen verwöhnen möchten. Von der Autobahn oder Schiene aus betrachtet, ergeben diese Wetterberichte oft Ausblicke, die wir gerne einrahmen würden. Wenn wir nur diese Momente festhalten könnten. Diese Momente hat man im Auto, aber noch mehr in der Bahn (ohne diese hässlichen Geschäftsräume neben der Straße). Du erwachst aus deinen Grübeleien und wendest deinen Blick nach außen in die weite Landschaft. Man sieht Lichtstrahlen durch die Wolken und sonst nur eine riesige Grünfläche. Und dann kann man plötzlich denken: ‚Hey, eine Kirschlandschaft.' Intensive, giftgrüne Wiesen, mathematisch komponierte holländische Feldwege oder rhythmische Baumreihen. Oder eine saisonale Variation eines gewundenen Grabens in einer herbstlichen Landschaft, einer Landschaft, die eine Woche zuvor einen ewigen Sommer zu versprechen schien. Oder Sie sehen in der Ferne einige orangefarbene Flächen, die Ihren Augen gerade genug Informationen liefern, um Dachziegel selbst herzustellen. Das sind die Bilder, wie wir sie von Martin Kers kennen.

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VOM BAHNCOUPÉ ODER HINTER DEM RAD IST DER HORIZON MEIST NIEDRIG , so niedrig, dass wir hauptsächlich Wolken sehen, viele Wolken und dazwischen beruhigendes Blau. Ohne die Namen kennen zu müssen, spüren wir eine Tradition der weltberühmten niederländischen Gemälde alter Meister wie Jan van Goyen (1596-1656), Philips Koninck (1619-1688), Allart van Everdingen (1621-1675), Jacob van Ruisdael (1628/9-1682) und Meindert Hobbema (1638-1709). Museumsbesucher auf der ganzen Welt betrachten es immer noch gerne. Schon zu ihrer Zeit erfreuten sich die Künstler großer Beliebtheit bei einem großen Käuferpublikum. Hauptsächlich, weil ihre Bilder so vertraut waren. Seit Pieter Brueghel d. Ä. (1520/5-1569) ist die Panoramalandschaft ein bekanntes Phänomen in der holländischen Maltradition. Waren es zunächst Phantasielandschaften mit starkem Heldencharakter, so sind es bei Philips Koninck Landschaften, die man auch eigenständig bewundern kann. Nur, ohne Geschichte. Für seine großformatig gemalten Landschaften stützte er sich eigentlich auf direkte Beobachtung. Nicht im Atelier geschminkt, sondern Landschaften, wie sie zu sehen waren.

WIE DIE WETTBEWERBER VON KONINCK LAG DIE STÄRKE VON VAAL IN DER VEREINFACHUNG , eine Wahl des Reichtums dessen, was ausgestellt wurde. Van Goyen zum Beispiel variierte nur mit einer begrenzten Anzahl von Farben; eine Palette mit nur Grau- und Brauntönen mit einem grünen Akzent hier und da. Auch die Zusammensetzung könnte einfacher sein. So wie der italienische Maler Annibale Carracci (1560-1609) von den großen venezianischen Malern gelernt hatte, verstanden auch die niederländischen Meister, dass das Geheimnis der Landschaftsdarstellung in der Geometrie lag, mit der man als Maler die Natur beherrschen konnte. Blickrichtung, Perspektive und Linien im Bild sorgten für Ruhe. Aber die Vereinfachung in Komposition und Farbe und eine genaue Analyse dessen, was man mit eigenen Augen sehen konnte, war noch nicht da. Jacob van Ruisdael war ein Maler, der nach seiner eigenen Übersetzung dessen suchte, was er draußen sah. Zum Beispiel, indem er mit seinen berühmten „Haarlempjes“ eine höhere Perspektive wählte als die Dünen, in denen er zu malen schien. Dazu kam der Aufpreis. Seine Bilder lassen keinen Zweifel daran, dass hinter dieser Natur etwas Größeres stecken muss, etwas Größeres, als wir begreifen können. Man könnte sagen, eine Vorschau auf das, was in der Romantik des 19. Jahrhunderts als das Erhabene bezeichnet werden würde.

Seit Pieter Brueghel d. Ä. (1520/5-1569) ist die Panoramalandschaft ein bekanntes Phänomen in der holländischen Maltradition.

WAS DER LANDSCHAFTSMALER MIT IHREN KÄUFERN GEMEINSAM HATTE, WAR DER STOLZ AUF DAS, WAS SIE SAHEN, ZU DEM SIE GEHÖREN . Allein von Ruisdael ist bekannt, dass er fünfzehn dieser „Haarlempjes“ gemalt hat. Anscheinend wurden diese Ansichten geliebt. Die Landschaft war so schön, dass sie keiner weiteren symbolischen oder allegorischen Deutung bedurfte. Das Gemälde wurde ut pictura poësis, oder ein Gemälde wie ein Gedicht. Das war das Holland, auf das die Holländer stolz waren. Stolz auf das Land, das sie sich geschaffen haben. In diesen Landschaften, wie der von Meindert Hobbema, ist die Verschmelzung von Kultur und Natur zu sehen. Auf der einen Seite erleben wir die Luft, den Wind und die Bäume so, wie sie uns die Natur gegeben hat, auf der anderen Seite ist da die Landschaft, die von Menschenhand darum herum geschaffen wurde. Wenn wir diese Landschaft, die Natur und die menschlichen Bauten betrachten, haben wir das Gefühl, dass dies schon immer so war und immer so bleiben wird. Mensch und Natur scheinen hier in angenehmer Harmonie zu existieren.

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ES IST DER GLEICHE STOLZ, DEN DELFTER IM 17. JAHRHUNDERT GEFÜHLT HABEN MÜSSEN, als sie Johannes Vermeers Ansicht von Delft (ca. 1632-1675) sahen, die in unserer Zeit weltberühmt ist. Das Licht, das Teile der Stadt zwischen den Wolken durchscheint und die Dachziegel der Häuser, die auf fast geheimnisvolle Weise zum Leben erwachen, verzaubert jeden, der damit konfrontiert wird. Die Malerei wird oft mit der Geburtsstunde der Fotografie in Verbindung gebracht. Vermeer hätte den Vorgänger unserer Kamera verwendet, um dieses magische Bild zu erstellen. Eine solche Camera Obscura war eine schwarze Box mit einem Loch oder einer Linse auf einer Seite. Das durch diese einfallende Licht projizierte ein Bild auf die gegenüberliegende Wand. Diese frühe Kamera zeichnete sich dadurch aus, dass sie die Kontraste zwischen Dunkel und Hell verstärkte und die Farben heller machte. Außerdem sind die Farben im Hintergrund weniger ausgeblichen, als wir es von Gemälden alter Meister gewohnt sind. Vermeers Meisterwerk zeigt alle Kennzeichen dieses Vorläufers der Fotografie. Aber wo die Arbeit an eine fotografische Darstellung der Stadt erinnert, zeigt eine genaue Betrachtung, dass Vermeer die Realität vollständig manipuliert hat. Um alles ins Gleichgewicht zu bringen, verschob er Gebäude auf seiner Leinwand, damit die Ruhe des Bildes noch größer wurde. Vermeer fügte dem Gesehenen nicht nur kompositorisch etwas hinzu, sondern schuf auch malerisch eine wunderbare Balance zwischen der Realität, wie er sie erlebte, und einer idealisierten Variante davon. Wie ein avant la lettre des Impressionismus ließ er das Licht von den Dächern spritzen, indem er Farbpunkte auftrug. Kein guter Maler, der Strich für Strich die Realität kopierte, sondern ein Zauberer, der das Publikum den Trick vollenden ließ. Denn die Farbflächen werden in unseren Augen zu Wolken, Wasser, Stein oder Dachziegeln.

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Während die Arbeit an eine fotografische Darstellung der Stadt erinnert, zeigt eine genaue Betrachtung, dass Vermeer die Realität vollständig nach seinem Willen manipuliert hat.

Was hat das alles mit den Landschaftsbildern in diesem Buch zu tun? Mehr als uns bewusst ist. Es scheint, als ob dieser niederländische Blick Teil unserer Gene als Zuschauer geworden ist. Wir haben gelernt, so auszusehen, wie es uns die alten Meister beigebracht haben. Wir erkennen es sofort, wenn ein Fotograf damit eine Verbindung herstellt. Und wir sind nicht allein. Vielleicht noch mehr als wir „Holländer“ erkennen Ausländer diese Ansicht an. Durch ihre eigenen Museen sind sie auch mit den holländischen Landschaften vertraut und springen auf, wenn sie das Licht, die Landschaften und die Wolken erkennen, wenn sie unser Land besuchen, oder es in der Fotografie unserer Landschaften sehen. Martin Kers ist international eines der bekanntesten Beispiele für Fotografen, die die niederländische Landschaftstradition in unsere Zeit übertragen und im Ausland gezeigt haben. In seinen Fotos erkennen wir die typisch niederländischen niedrigen Horizonte, wo wir seine Faszination dafür sehen, was unregelmäßiges Licht und wilde Wolkenformationen mit der Landschaft machen. Ein vertrauter Anblick für alle Pendler, die von ihren Vinex-Standorten in die Großstadt trainieren, um ihre Arbeit zu erledigen.

Wenn wir in Kers' Büchern, Kalendern oder Postkarten blättern, sehen wir die Schönheit der Landschaft, wie sie ist, ohne Geschichten in und über sie zu erzählen. Wir erkennen die Wachsamkeit des Fotografen, der die Magie ergreift, wenn sich das Licht, die Landschaft und die städtischen Gebäude vielleicht für einige Sekunden zu einem Kunstwerk zusammenfügen. Wir erkennen auch das Streben des Fotografen nach Vereinfachung an. Vereinfachung aus unserer Sicht von Komposition und Licht. Zu Baumreihen, Gräben und Radwegen. Und egal wie realistisch die Fotos sind, sie sind immer so geschossen, dass die Poesie, die manchmal nur für einen Moment da ist, genau im richtigen Moment eingefangen wird. Das ist das Holland, das wir und unsere Touristen gerne sehen und wo die angepasste Natur die städtische Umgebung liebevoll aufnimmt. Mensch und Natur im Einklang, wie wir es uns so sehr wünschen und einfach nur da zu sein scheinen.

Das Einzige, was die holländischen Meister wollten, war, die Welt, wie sie sich zeigte, mit allen ihnen zur Verfügung stehenden technischen Mitteln so scharf wie möglich zu erfassen. Martin Kers verwendet die Kamera, deren Urbild bereits Maler des 17. und 18. Jahrhunderts verwendet haben. Wo Vermeers Ansicht von Delft die Stadt in leuchtenden Farben und scharfen Kontrasten zum Leben erweckt, wie ihn die Camera obscura wahrscheinlich zu sehen gelehrt hat, erkennen wir die Heftigkeit und den Kontrast in Kers' tatsächlicher Fotografie. Auch hier handelt es sich nicht um eine einfache Kopie dessen, was Sie sehen könnten, sondern um eine kontinuierliche Manipulation dessen, wie Sie die Realität manchmal auch so sehen können, wie sie ist. Auf der Suche nach der „Unendlichkeit der beobachtbaren Realität“ nennt Kers das, wie uns bereits Marcel Proust in „Auf der Suche nach der verlorenen Zeit“ kennengelernt hat. „Ich kann sechs Jahre lang einen Graben fotografieren, und ich bin noch nicht fertig“, sagt Kers. Er reiste um die ganze Welt, um Berichte für Zeitschriften und Bücher zu machen, aber eigentlich hätte er zu Hause bleiben können, um zu zeigen, wonach er sucht: „Wenn Sie Ihren Garten nicht fotografieren können, können Sie die Natur in Indien nicht fotografieren.“ . Tatsächlich folgt Kers einer langen Tradition der Betrachtung der Landschaft, einer Landschaft, die von Besuchern unserer Polder und Besuchern der besten Museen auf der ganzen Welt, in denen unsere Landschaftsbilder hängen, international geliebt wird.

Aber gibt es sie überhaupt – diese Besonderheit unserer Bilder? Wie typisch niederländisch ist das wirklich? Über die Besonderheiten der niederländischen visuellen Kultur zu sprechen, hat für viele immer noch etwas, das nach Nationalismus und all dem Elend, das daraus entstehen kann, riecht. Aber im Laufe der Jahrhunderte, schon im 16. Jahrhundert, haben Ausländer etwas an der holländischen Kunst erkannt und bewundert. Es war immer etwas anderes los und es wurde aus dieser Perspektive betrachtet. Im 19. Jahrhundert war es zum Beispiel der deutsche Philosoph Georg Wilhelm Friedrich Hegel (1770-1831), der argumentierte, dass die Merkmale der niederländischen Kunst des 17. Jahrhunderts in direktem Zusammenhang mit dem nationalen Charakter standen. Die Kunst war Ausdruck des typischen Volkscharakters der Niederländer: des protestantischen, bürgerlichen Charakters. Die Aufgeschlossenheit, mit der die Holländer ihre eigene Umwelt bis in die unbedeutendsten Details darstellten, entsprach, so der Philosoph, dem deutschen Charakter. Es war natürlich mit einem germanischen Hintergrund verbunden, der mit der italienischen, französischen und flämischen Malerei kontrastierte. Neben dieser deutschen Sichtweise gab es Mitte des 19. Jahrhunderts in Frankreich den Kunstkritiker Theophile Thoré-Bürger (1807-1869), der im holländischen Realismus ein Spiegelbild der freien und demokratischen Gesellschaft sah. Etwas, das dem politischen Ideal seiner Zeit entsprach. Niederländische Kunst war Kunst, die nicht mehr im Dienste der Mystik oder des Aberglaubens stand, nicht für den Adel oder die Kirche gemacht wurde, sondern für die niederländischen Bürger selbst und für den Rest der Welt. Es war "eine Art Foto ihres großartigen siebzehnten Jahrhunderts, von Menschen, Gefühlen und Bräuchen, von den Ereignissen und Taten einer ganzen Nation".

In seinen Fotos erkennen wir die typisch niederländischen niedrigen Horizonte, wo wir seine Faszination dafür sehen, was unregelmäßiges Licht und wilde Wolkenformationen mit der Landschaft machen.

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Später, als der Zweite Weltkrieg noch im Gange war, wurde es in den 1960er bis 1980er Jahren tabu, das zu nennen, was der niederländischen Kunst innewohnt. Es würde auf unangenehme nationalistische Tendenzen des 19. Jahrhunderts und sogar auf das Blut und Boden der Nazi-Ideologie verweisen. Der Kunsthistoriker Professor Ernst van de Wetering zeigte jedoch, dass die Vorstellungen über die Besonderheiten der niederländischen Kunst viel weiter zurückreichen als bis ins 19. Jahrhundert. Bereits im 16. Jahrhundert wurde auf die Einzigartigkeit der niederländischen Kunst hingewiesen. Das waren Eigenschaften wie Einfachheit, Strenge, Ehrlichkeit, Reinlichkeit, Nüchternheit, Freiheitsliebe, Individualismus, Häuslichkeit, Gelassenheit, bürgerliche Ideale und Protestantismus.

Schon Hugo de Groot (1583-1645) schrieb über die Holländer, sie seien frei und offenherzig, mutig und treu, ehrlich und großzügig, keusch im Umgang mit anderen Geschlechtern, nüchtern in Essen und Kleidung (aber starke Trinker), sauber und ordentlich, standhaft, schlau, besonders im Handel und in der Schifffahrt, und ausdauernd und erfinderisch in Handwerk und Kunst.

Um den Unterschied zur Eitelkeit und Prahlerei der Burgunder aufzuzeigen, zitierte der Humanist Desiderius Erasmus (ca. 1466-1536) alle Ideen des römischen Konsuls, Historikers, Schriftstellers und Redners Tacitus (ca. 56-117), der darüber sprach die Einfachheit, Ehrlichkeit und Keuschheit der Bataver. Schon unser eigener großer Rechtsgelehrter und Schriftsteller Hugo de Groot (1583-1645) schrieb über die Holländer, sie seien frei und offenherzig, mutig und treu, ehrlich und großzügig, keusch im Umgang mit anderen Geschlechtern, nüchtern in Essen und Kleidung ( aber kräftige Trinker), sauber und ordentlich, standhaft, schlau, besonders in Handel und Schifffahrt, und ausdauernd und erfinderisch in Handwerk und Kunst. Noch vor der großen Blütezeit der berühmten holländischen Malerei im Jahr 1602 stellte De Groot fest, dass die Italiener die niederländische Kunst sehr schätzten. Laut De Groot wurden für diese Kunst hohe Preise gezahlt, sogar für Kopien von Gemälden von Lucas van Leyden. Der natürliche Stil des Holländers im Gegensatz zur Künstlichkeit und dem gesuchten Ausdruck in der Muskulatur der Italiener wurde zitiert. Lucas folgte der Natur und ahmte alles nach. Dem Humanisten zufolge würden niederländische Künstler nicht nur in ihrem eigenen Holland, sondern auch von Kennern in Rom geschätzt. Francesca de Hollanda (1648) zitiert Michelangelo, wenn er eifersüchtig auf die Popularität der holländischen Maler blickt: „In Flandern malt man im Hinblick auf äußere Exaktheit oder auf etwas, das einen erfreuen kann und worüber man nicht schlecht reden kann, wie zum Beispiel Heilige und Propheten. Sie malen Stoffe und Mauerwerk, das grüne Gras der Felder und Schatten von Bäumen und Flüsse und Brücken, die sie Landschaften nennen, mit vielen Figuren hier und da. Und all dies geschieht, obwohl es einigen gefällt, ohne Vernunft oder Kunst, ohne Maß oder Proportion, ohne geschickte Auswahl oder Kühnheit und schließlich ohne Substanz oder Kraft.

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Tatsächlich verstehen wir jetzt, dass das wichtigste Merkmal der niederländischen Kunst nicht so sehr die typische Genremalerei war, sondern mehr noch die enorme Vielfalt der angebotenen Kunst.

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Tatsächlich verstehen wir jetzt, dass das wichtigste Merkmal der niederländischen Kunst nicht so sehr die typische Genremalerei war, sondern mehr noch die enorme Vielfalt der angebotenen Kunst. Außerdem gab es viel mehr Zusammenhang mit dem, was international passierte, als lange Zeit angenommen wurde. Die Arbeit der Historienmaler – der Caravaggisten, Klassizisten und Manieristen – wäre übersehen worden. Maler, die nicht ins Standardbild passten, wie Cornelis Cornelisz. van Haarlem, Hendrick Goltzius, Hendrick Terbrugghen und Caesar van Everdingen erlebten in den 1970er und 1980er Jahren einen enormen Aufschwung.

Man kann argumentieren, dass die enorme Vielfalt des niederländischen Kunstangebots ein direktes Ergebnis des einzigartigen niederländischen Kunstmarktes war, auf dem die wichtigsten Käufer nicht der König, der Adel und die Kirche, sondern die Bürger waren. Es geht nicht so sehr um den Nationalcharakter, wie man ab dem 19. Jahrhundert dachte, sondern viel mehr um die Vorstellung, dass Bürger, die Hauptkäufer von Kunst, sich für Skulpturen, Gemälde, Zeichnungen und Grafiken interessierten, wodurch Einfachheit und Einfallsreichtum fixiert wurden Motive in Beschreibungen niederländischer Kunst des 16. und 17. Jahrhunderts.

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Der Maler und Schriftsteller Karel van Mander (1548–1606) eröffnet zu Beginn seiner Beschreibungen des Lebens (1604) des holländischen Malers mit der Biografie der Van Eycks und dem Einfallsreichtum der neuen technischen Erfindung der Ölmalerei, mit der Van Eyck hat die Kunst bereichert. 'weil der Einfallsreichtum Griecken, Romeynen oder andere Nationen noyt (hoeseer soeckende) ghejont gefunden wurde, der den berühmten Holländer Ioannes van Eyck in den Vordergrund gerückt hat.' Von hier aus beginnen die Italiener, etwas von den Holländern zu lernen. Mit der Ölfarbe verbesserte Van Eyck die italienische Malweise, sodass Farben lebendiger und glänzender werden konnten. Es war eine Erfindung, die es Künstlern ermöglichte, sich der Natur noch näher zu nähern, schrieb Van Mander: „Diese edle Erfindung erforderte nicht, dass unser Const der Natur in Zahlen näher kam oder noch gleicher wurde.“ Van Mander bezieht sich auf net, suyver, glat, natuerlyck, eyghentlijck und if life als Merkmale der Werke nordischer Maler wie Jan van Eyck und Lucas van Leyden.

Im 17. Jahrhundert selbst wurden Genrebilder, Landschaften und Stillleben genauso geschätzt wie heute. Gute Historienmaler waren sicherlich hoch angesehen, aber tatsächlich waren es Maler wie Hendrick Vroom zu Beginn des Jahrhunderts und später im Jahrhundert Gerrit Dou, Frans van Mieris und Jan Davidsz. de Heem, die für ihre Werke die höchsten Preise verlangen konnten. Ausländer, die in die Niederlande reisten, waren erstaunt und schrieben über die enorme Menge an Gemälden, die überall in den niederländischen Städten zu sehen waren. Einer der schönsten ist der Engländer Sir Peter Mundy, der 1641 schrieb: „... Was die Kunst der Malerei und die Zuneigung der Menschen zu den Bildern anbelangt, geht kein anderer darüber hinaus ... alle im Allgemeinen bestrebt, ihre Häuser zu schmücken ... mit teuren Stücken ... Das sind die allgemeinen Vorstellungen, die Neigung und die Freude, die diese Landeingeborenen für Gemälde haben.' Mundy schrieb auch, dass sogar Metzger, Bäcker, Hufschmiede und Schuhmacher Gemälde in ihren Läden hatten. Dass Gemälde tatsächlich die Wände der Häuser niederländischer Bürger bedeckten, von der Regentenelite bis zum einfachen Handwerker, war natürlich für einen Ausländer seltsam, der daran gewöhnt war, Gemälde nur in Kirchen und Klöstern oder in den Palästen der Aristokratie zu sehen. Und tatsächlich sehen wir in Inventaren aus dieser Zeit, dass selbst einfache Handwerker und Kaufleute oft eine Anzahl von Gemälden hatten, während die Zahl bei den Reichen enorm ansteigen konnte, auf über 110, manchmal sogar über 200 Gemälde.

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Auf der Suche nach der „Unendlichkeit der beobachtbaren Realität“ nennt Kers das, wie uns bereits Marcel Proust in „Auf der Suche nach der verlorenen Zeit“ kennengelernt hat.

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Es gibt einen anderen Landsmann, der über die Einzigartigkeit der niederländischen Kunst geschrieben hat. Gegen Mitte des 17. Jahrhunderts wurde Philips Angels Traktat über Malerei Lob der Malerkunst (1642) veröffentlicht. Angel schreibt über das, was er „das nahe Kommen des Lebens und die eigentliche scheinbare Kraft“ nennt. Wir sehen in ihm eine große Betonung der Treue, eine Fülle von Details, einen guten materiellen Ausdruck, eine genaue Beobachtung optischer Phänomene und eine große Beherrschung von Licht und Schatten, mit der man die Augen des Kunstliebhabers erobern und erfreuen muss, so dass man kann seine Arbeit umso mehr sehen, kann sich besser verkaufen. Also wieder die Betonung auf das Erfreuen der Augen, genaues Beobachten, ein Studium optischer Effekte, eine sorgfältige Nachahmung des Gesehenen. In der französischen und italienischen Kunsttheorie würden diese Merkmale der nordischen Kunst jedoch als negativ angesehen. Dem schließt sich auch Samuel van Hoogstraten (1627-1678) mit seinem Inleyding tot de Hooge Schoole der Schilderkonst (1678) an. Niederländische Maler wären besser in Spezialisierungen als im Malen von Geschichten. Van Hoogstraten führte dies auf das klimabedingte Temperament der Holländer zurück. Schon Hugo de Groot hatte das Temperament unseres Volkes mit dem Klima in Verbindung gebracht. Van Hoogstraten war der erste, der es ausdrücklich mit der Kunst in Verbindung brachte. Die allgemeine Natur der Niederländer gilt als langsam und düster und daher besonders geeignet, um sich auf bestimmte Teile zu spezialisieren. Wir sind irdischer und kälter und deshalb unübertroffen in speziellen Bereichen der Kunst, zu denen unsere Natur neigt, wie in Stillleben oder Landschaften. Van Hoogstraten sieht auch die Liebe zur Natur, zu alltäglichen Themen und Handwerkskunst als typisch für die Niederländer. In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts wurden diese Merkmale der nordischen Kunst in den Augen der französischen Kunsttheorie zunehmend angegriffen. Das Malen nur nach dem Leben wurde verboten. Das wäre die allgemeine Meinung der Kunsttheoretiker im späten 17. und 18. Jahrhundert. Auch hier sehen wir, dass mitunter ausdrücklich auf unser Klima und Temperament und deren Folgen für die Art und Weise, wie Künstler hier malten, Bezug genommen wird. Ein gutes Beispiel ist Jean-Baptiste Dubos (1670-1742), der ausführlich schreibt, dass niederländische Künstler eine große technische Begabung haben, insbesondere für die Nachahmung der Natur und die Darstellung von Licht- und Schatteneffekten, weil sie so geduldig sind und sich lange auf sich konzentrieren können auf eine Sache. Denn sie sind nicht warmblütig wie die Italiener, sondern kaltblütig, was sie dazu prädestiniert, die Wirkung von Farbe und Licht so darzustellen, wie sie es sich vorstellt. Sie können nur niedrige Themen und einfache Dinge darstellen. Aber das macht sie für die wahren Erfindungen völlig ungeeignet, denn sie sind unfähig, sich über die Natur zu erheben. Und das alles, weil sie von dem phlegmatischen Temperament beherrscht werden, das durch das kalte und nasse Klima, in dem sie leben, verursacht wird, und weil sie zu viel Gemüse, Milchprodukte und Fisch essen. Die Sammler hingegen kümmerten sich nicht um die Theoretiker. In Deutschland, Frankreich und England begann man massenhaft diese niederländische Kunst zu sammeln.

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Kers ist auch der Künstlichkeit abgeneigt. In seinen mehr als zehn Fotobüchern findet man kein dramatisches Pathos und keine großen Gesten, sondern eine kühle Beobachtung der Schönheit, die wir draußen sehen können. Seine Fotografie ist realistisch, einfach, ehrlich und nüchtern.

Was hat das alles mit Martin Kers zu tun? Können wir daraus etwas typisch Holländisches destillieren, das wir in Kers' Fotografie wiedererkennen und das uns und viele Ausländer anspricht? Wenn wir uns diese bewunderten und auch verabscheuten Merkmale der niederländischen Kunst ansehen, gibt es eine Reihe von Merkmalen, die in den Bildern identifiziert werden können, an denen wir uns noch heute erfreuen können. Eigenschaften, die auch das Werk von Martin Kers geprägt haben. Da ist zum Beispiel die internationale Bildsprache, die von allen verstanden und erkannt werden kann, aus allen Gesellschaftsschichten, überall auf der Welt. Eine Bildsprache, die nicht für Könige, den Adel oder den Klerus gedacht ist, sondern für Bürger, wie wir sie alle sind. Ob wir es mögen oder nicht. Neben diesem großen Wiedererkennungswert ist Martin Kers auch der Fotograf der genauen Beobachtung. Vor allem nachdem er vor etwa sechs Jahren Probleme mit seinen Augen hatte, ist ihm noch bewusster geworden, was ihm seine Augen bedeuten. Er behauptet, jede Lässigkeit beim Beobachten verloren zu haben. Er sucht nach dem kleinsten, unbedeutendsten Detail, um die Dinge so zu registrieren, wie sie wirklich sind, wie aus dem jüngsten Fotobuch Oer, the power of sight (2008) hervorgeht, das er mit dem Unterwasserfotografen Willem Kolvoort gemacht hat, in which nature down bis ins kleinste Detail aufgezeichnet. Ein weiteres charakteristisches Merkmal der holländischen Maltradition ist die oben beschriebene Natürlichkeit statt Künstlichkeit. Kers ist auch der Künstlichkeit abgeneigt. In seinen mehr als zehn Fotobüchern findet man kein dramatisches Pathos und keine großen Gesten, sondern eine kühle Beobachtung der Schönheit, die wir draußen sehen können. Seine Fotografie ist realistisch, einfach, ehrlich und nüchtern. Aber so wie die holländischen Meister die Schönheit des Hässlichen nicht gescheut haben, zeigt Kers auch die Natur in ihren rauesten Erscheinungsformen, wie zum Beispiel einen Baum in der Landschaft, der von einem Sturm getötet wurde. Bei Kers keine romantischen Bilder, wie es einmal gewesen sein muss, sondern genaue Registrierungen des Jetzt. Wenn am Horizont ein Schornstein raucht, gehört das zum Bild. Und wie schön ist das

Ein weiteres Merkmal der oben beschriebenen niederländischen Altmeister ist ihr praktischer Erfindungsreichtum beim Erfinden neuer Lösungen für optische Fragen. Wie kann es anders und besser werden? Wie kann man sich einer Landschaft nähern, wie man sie anders sieht; in Farbe, Komposition oder Perspektive? Ob mit Ölfarben oder optischen Instrumenten, wie könnte es besser sein? Wie lässt sich die Leuchtkraft der Farben draußen mit den technischen Möglichkeiten der heutigen Zeit in Einklang bringen? Nachdem Tempera gegen Ölfarbe ausgetauscht wurde, musste bei Kers Kodachrome der Digitaltechnik weichen. Übrigens auch hier wieder, wie uns die alten Meister gelehrt haben, ohne den Fund oder die neue Technik zur Schau zu stellen.

Ein weiteres Merkmal altholländischer Kunst, wie sie seit Jahrhunderten international anerkannt ist, ist die Betonung der Schönheit im Sinne von Sauberkeit, Reinheit und Klarheit. Durch die Komposition, die Lichtwirkung, die Vereinfachung des Bildes wirkt alles in holländischen Gemälden auf die eine oder andere Weise aufgeräumter, sauberer. Das ist auch ein Merkmal der Outdoor-Fotografie von Kers. Kers sucht auch nach der auffälligen Intensität der Farben, die das Werk von Vermeer, Rembrandt und Landschaftsmalern wie Ruisdael und Koninck charakterisieren. Es scheint eine holländische Sichtweise zu sein.

Schließlich ist da noch die oben beschriebene Offenheit der alten Meister. Das Temperament oder vielleicht einfach der kaufmännische Geist der Niederländer würde uns gut darin machen, die Welt um uns herum zu beobachten und zu betrachten, ohne direkt Geschichten erzählen zu wollen, ohne zu urteilen. Die Dinge sind, wie sie sind, wie wir sie sehen. Die Offenheit der Mädchen, die Vermeer gemalt hat, gibt uns in unserer Zeit viel Raum, um unsere eigenen Ideen zu projizieren. Vermeer lässt alles zu und zwingt uns zu nichts. Die Bedeutung wird nicht aufgezwungen, niemals eine zwingende Erzählung. Sie können selbst finden, was Ihnen gefällt. Und das ist vielleicht das bekannteste Merkmal der Fotografie von Martin Kers. Wir sehen eine Landschaft, in Sonnenlicht getaucht oder in der Kälte erstarrt, wir sehen einen Graben oder eine mäandrierende Baumreihe, wir blicken auf einen Horizont mit einer einfachen Reihe von Dachziegeln oder ein angestrahltes Haus. Aber es steht uns frei, uns auszudenken, was es ist und welche Geschichten dazu gehören.